Nightmare

くるくると音楽スタイルを変えていくような曲を作りたかったという動機の曲だった記憶が有ります。

それまでにいくつかビッグバンドをベースににしたイメージの打ち込みはやっていましたが、最初から最後までそれ一辺倒というのじゃなく、いろいろ有った方が飽きないからです。
またボーカルに関しても確か私の過去のコーラスアレンジの中で最多の７声部のコーラスアレンジだったと思います。それにしては団子になっていますが。

いずれも古い記憶に頼っていますので間違いが有るかもしれませんが。
なんせ私自身もうここいらの曲を作った当時のことはもう忘却の彼方です。

Bio-Hazard

シーケンサーを使い始めて一番変わったことは、それ以前には頭にはあったけどやってみようとは思わなかったシーケンシャルラインを使うようになったということでしょう。

しかしこれもあまり多用すると、単調になってしまうリスクは常にあるのだけれどこの曲を作った時には最初から騙しリズムのように変拍子と思わせて実は全てオンリズムな展開をやってみるということでした。
それと当時導入したピッチシフターをギターに多用して、これまたそれまでにはやらなかったようなことができないかと模索していました。

ギターはいつもは納得いくまで何重にも重ねてしまうのですが、この曲に関してはほとんど一発テークです。

秋水

我々日本人は何の違和感も無く洋楽をやっている。しかしもし海外に出たら洋楽をやる日本人と洋楽をやるアメリカ人にどんな違いがあるのだろうか？
そこでは洋楽のフィーリングを完璧に身につけている日本人など何の価値もない。なぜなら洋楽のフィーリングを完璧に身につけている日系二世、三世や、洋楽のフィーリングを完璧に身につけているトルコ人やシンガポール人なんか何も珍しくないからだ。我々日本人のアイデンティティは日本人であることだ。
それはつまり日本人独特の広大な文化の背景を持っているということが、その価値の源泉になる。

例えば音楽だ。ギターやピアノを弾ける日本人なんか珍しくも何ともないが、太竿や十三弦、琵琶などを弾ける日本人がどれくらいいるだろうか？
つまり日本文化を実地に理解している日本人がどれくらいいるだろうか？

この曲はお知り合いの十三弦の師匠のところに通って、そこでちょっと齧った邦楽のエッセンスの印象を私なりにまとめた曲ということになる。
邦楽をちょっと齧ったというけども、私にとっては未体験だった邦楽の世界というのは途方も無い世界だった。
要するに今までやってきた洋楽とは全く違う体系を持った音楽で、しかも体系は全く違いながらも同じくらいの身につけなくてはいけないテクニックの量と音楽理論の深さがあるという音楽で、この邦楽の全容を知った時のショックは結構大きかった。

これを機会に邦楽の世界に入ったら？とお誘いもいただいたが洋楽だって精一杯の努力をして何とか様になり始めた時だったのに、それと同じくらいの鍛錬を要求される邦楽をもうひとつ勉強してみようという気にはならなかった。
これは例えていうなら、日本語と英語の両方で同時にディベートができるように訓練するようなものだ。どちらか片方を身につけるだけでも大変なのに、とても両方はできない。

そんな理由で邦楽の世界はちょっと覗いただけだが、その印象を当時の私なりにまとめたのがこの曲だ。
フルートと尺八、琵琶とギター、箏とピアノというようにタンギングやアーティキュレーションに共通点がある楽器もある。音階も洋楽の世界の論理体系とは全く違うのだが、比べてみるなら教会旋法に似ていないことも無い。
そういう学んだことをここで出してみたということだ。

ZAZi Gorilla

シーケンシャルミュージックというと、そのスタートはテクノから入ってきた人が多かったから、どうしても手法的にはミニマルのような音楽を志向している人が多かった。つまり同じリズム、同じ旋律を何回も繰り返しながら少しずつ音数を増やしていくようなトランスミュージックによくある手法といえばわかりやすいだろうか。

別にそれ自体は良くも悪くもないが、そういうものだけが音楽と思っている自称「音楽をやっている」人というのが多数派になったのには閉口した。
こういう人たちに共通でいえることは、皆勉強不足で音楽について何も勉強していないくせに自分たちと違う人間を批判する鼻っ柱の強さだけがあるということだった。

永らく音楽から遠ざかっていたのはこういう音楽人種の傲慢さがイヤになったからだ。
当時の私が言いたかったのはただ単に
「そういうミニマルとは全く違うタイプの音楽もこの世には存在するんだよ」
ということだけだった。
しかしそれが受け入れられなかったのは、私のような音楽をシーケンサーなどでやっているような奴があまりにも少数派だったからだろう。

私のような音楽というのはどんな音楽かというと、要するにこういう音楽だ。

同じ音型の繰り返しはリフという形では当然出てくるが、ミニマルの「パターン」という概念とは全く違って、完全に同じ「パターン」の繰り返しは一度も出て来ない。またタイミングは絶対にジャストではない。

要するに機械的ではない、人間的な音楽を機械でやるというのが当時は少数派だったということだ。
こんな酔狂な奴は当時は全くいなかったから、テクノ坊やには受け入れられない。かといってシーケンシャルミュージックを蔑んでいる生演奏主義者には「こんな音楽には価値がない」とまで言い切られる。
要するにどちらからも異端児としてみられていたわけだ。

今の時代はそういうものが受け入れられる時代になったのかならなかったのか、もう私には知ったこっちゃない。
もう私は音楽を事実上止めているので、そんなことはどうだっていい。
ただちょっとこの曲を取り出して、久しぶりに聴いてみるとそういう昔の恨み節を思い出しただけだ。

さらばおじきよ

フレーズの強さだけでどこまで押していけるか、これは作曲をする立場もそうだしギタリストの課題でもある。
作曲技法でいえば例えばキーボーディストは，全体のアンサンブルの組み立て，サウンドからディテールに入ってくるという考え方をする人が多いのに対して，ギタリストはひとつひとつのフレーズの強さから，それを積み重ねていって全体を組み上げるという考え方の人が多い。

だからアレンジでこの二者の考え方はよくぶつかる。印象に残るフレーズを強調するアレンジか，全体のバランスを重んじたアレンジかということだ。全体のアレンジから発想すると総花的な優等生的な音楽が出来上がるし、フレーズから組み上げていけば、荒削りでどこかに破綻があるような音楽になる。

どちらが良いかということではないと思うが、ギター出身で音楽をやっていた身からするといくらアレンジが完成されていてもやはり、一発のフレーズに強さがないと音楽は魅力を持てないと思ってしまうのだ。
この曲はパラパラギターを弾いていた時に思いついた簡単なワンフレーズから、イメージが広がってできた曲だ。
だから作曲メソードとしてはとてもギタリスト的だといえる。
ケレン味たっぷりの速弾きがあるわけでもないのだが、それでもこのメソードはやはりギタリスト的だと自分でも思う。
でもこれが音楽の魅力を作り出すコツではないかと今でも確信しているのだが。

Walkin' Alone

枯れ葉に埋まったペーブメントのお気に入りの散歩道を淡々と歩いてゆく
哀しくもなく、心弾むわけでもなく、色目のなくなった世界と
色目を失った心を写すように何の感情の起伏もなく
歩いてゆく

目的を失った手段と手段を失った目的
結局はどちらも同じことだったということを何度も何度も確認するために
この道を繰り返し歩いてきたのかもしれない
そうじゃないかもしれないが

高く澄み切った空から吹きおろしてくる冷たい風を感じながら
この道は何度も通ってきた道だということを改めて感じる
色目を失った関係をはかなむように何の喜びも怒りもなく
歩いてゆく

Tuning Tune

８０年代の終わりごろ、バンドのためのメソードとして作った曲。
当時バンドをやっていたのだが、メンバーの来歴がバラバラだったのでノリがなかなか合わなくて苦労した。
そこでそれぞれ自分が他のメンバーに身につけてほしいエッセンスを持った曲を提出してもらうことにした。自作曲がベターだがコピー曲でも良いということにして、とりあえず私は、ロック、ブルース系のノリをフージョン出身のドラマーやギタリストに身につけてもらおうとこの曲を作った。

そういう目的だからべったり泥臭いブギーがルーツなのだ。

しかしやはりこの試みはうまくいかなかった。
身に付いていない音楽をメソード一つで感じてもらうというのはうまくいかない、音楽は所詮同好の士が集まるべきだとこの時思い知った。

試みはうまくいかなかったが、この曲自体は私の思考がぎっしり詰まっている。
３連のリズムとリフを多用し、ブルーノートで曲を構成すると言うテクノ、フージョン系の人にはあまり理解できないかもしれない音楽だ。

Slow Powder

88年にシーケンサーとサンプリング音源を音楽制作に組み入れた時に、サンプリング音源をどんどん自分で作って、曲を作り始めたその一番最初期の頃の作品。
楽器一つで音楽をやっていた時には不可能だったポリリズムのチャレンジだった。

YAMAHAのワンマンバンドコンテストの地区予選には入賞したが、そこ止まりの音楽だったとも言える。

サンプリング音源といっても私の場合は一つの音源だけで、一つのパートを構成することはない。ブラスの音も、ピアノの音もほとんど全てのパートがサンプリングデジタル音源とFM音源のミックスで成り立っている。

SlowPoderとは拳銃弾などに使われる遅燃性火薬のこと。
この頃はこういうハードボイルドなタイトルに凝っていた。

Trilogy

これは私が勝手にアラベスクと呼んでいるジャンルの曲。

勿論そういう既存のジャンルは無い。
ロックにもジャズにも分類できない２〜３拍子の変則のコード進行と、跳躍を多く使ったメロディーラインを持つこういう感じの曲を、なんと表現していいのか分からなくて勝手にアラベスクと呼んでいる。
意味は「変な曲」というくらいの意味だ。

あまりこういう曲を人に聴かせたことがないのだが、こういう変な曲を一杯作っている。
こういうものが人にアピールするとも思えないし、代表作品ともいえないのだが、それでも自分の嗜好とは関係無しにどんどんこういうものができてしまうのだから仕方がない。

こういう音楽が他の人からどういうふうに聴こえるのかよくわからない。
映画音楽とかだったらよかったかもしれない。

こういう自分でもどう評価したらいいのかよくわからない曲が実はたくさんあるのでアップしてみる。

Sonic Wall

８８年の作品
多分これもYAMAHAワンマンバンドコンテスト、地域優秀作で本選落選曲。
当時はライントラック方式の原始的なシーケンサからステップライトができるシーケンサに乗り換えて、音源もアメリカ製のサンプラーを導入してちょっといい気分になっていた。
だからちょっと勢いがある。
ギターも勢いに任せて弾いている。

Sonic Wall 2

これは上記の「SonicWall」という曲を１２年ぶりにリメークしたテーク。
リメークといってもリズムやコードだけでなく主メロも構成も全部作り替えてほとんど別の曲になってしまった。
同じなのは間奏のケーデンスの部分だけ。
この頃はシーケンス音楽に行き詰まり、テンポを高速化することで安直にノリを表現するプロにもアマにも嫌気がさして、スローテンポでノリを出すことができないかということにチャレンジしていたが、この試みはあまり成功していたとはいえない。
音楽的にはもっとも苦吟していた時代の作。

Monolog

８５年頃の録音だったと思うが、米ギブソン製のアーチトップホローボディギターを手に入れてそれを使っていろいろ録音していた一連のひとつ。
「アーチトップホローボディギター」というのは要するにジャズでよく使うフルアコギターのこと。
当時はジャズギターの勉強をしていたからこんな曲をよくやっていた。
作品というか、これはほぼ即興だけどもこの当時もある意味勢いがあったかもしれない。

J.S.Bach リュート組曲ト短調よりアルマンド

以前、プレリュードとガボット２だけアップしていたリュート組曲ト短調を全曲アップすることにした。
今のサーバのmacserver.jpさんが増量サービスをしてくれて、サーバ容量に余裕が出てきたからだ。Macserverさんには感謝したい。

バッハの曲が好きだということは前にも書いた。
中でもこの異形の組曲にバッハの魅力が凝縮されているということも書いた。
この曲は曲調を追っているだけでも山あり谷ありで面白い。
バッハはバロック音楽のルールの破壊者だということも書いた。
本来の舞踏曲としての組曲の存在価値を否定してしまうような型破りな曲がこのリュート組曲ト短調なのだが、劇的な出だしのプレリュードに続き、このアルマンドが「緩」そして続くクーラントが「急」と妙なところで几帳面にルールを守っていたりする。
この曲はギターでいうところのアルページオを多用しているところが、シーケンス音楽的には見せ所だ。
アルペジオといってもこの時代のそれは、フォークギターの「ピンポンパンポン」というあれではなくかき鳴らすような分散和音だ。

J.S.Bach リュート組曲ト短調よりクーラント

激しく変則なプレリュードと、気持ちを落ち着けるように音が少ないアルマンドを通過して、この第３楽章のクーラントでようやくこのリュート組曲ト短調は本来の組曲のテンポに突入する。
このクーラントはバッハらしい覚えやすいメロディと強い和声の進行で始まる。
組曲のモチーフは全てA-A-B-Bというスタイルで演奏されるが、そのルールをここで復活させる。

J.S.Bach リュート組曲ト短調よりサラバンド

「急」の次は「緩」のサラバンド。
この曲はゆっくり間を持たせて演奏する解釈と、やや速めに演奏する解釈があるが私は後者を取った。
ここでエネルギーを貯めて一気にガボット３連発に突入する。

J.S.Bach リュート組曲ト短調よりガボット

曲はいよいよ本来の舞踏曲らしいインテンポの部分に入ってくる。
このガボットは以前にアップしたもうひとつのガボットと合わせてトリオ形式になっていて、 前のガボット２ーこのガボットー再びガボット２というように通常演奏される。
これ自体が緩急緩という構成を持っている。
組曲の中の組曲であり、組曲はもっと大きな構成に取り込まれているという、このリュート組曲ト短調はそれ自体が入れ子のような何重もの構造を持っている。

J.S.Bach リュート組曲ト短調よりジーグ

そしてこの組曲の大団円はこのジーグ。
ジーグとは元々アイルランド人の９拍子のダンス音楽のことだが、当時フランスを中心にこういうフォークロアな音楽スタイルが流行し始めていた。
バッハは厳格な音楽スタイルを持った保守主義者というイメージを一部に持たれているが、実際にはこういう流行ものはどんどん取り入れる、流行に敏感な作曲家だった。
通常の組曲ならこの前のガボットで終われる。
ところがバッハは組曲の形式にこだわらずに、結句の曲を最後に付けることを思いついた。
そのリズムはアイリッシュの明るい陽気なリズムだが、メロディと和声は厳冬のようなドイツ音楽の香りがする。
この微妙なアンバランスがバッハらしい曲だ。

以前にも書いたが、バッハはこの組曲を無伴奏チェロ組曲として作曲したが、いたくこの出来がお気に召したようで、ほとんどそのままのメロディ、構成でリュート組曲にアレンジし直した。
リュートという楽器に載せ替えることで、チェロでは表現しきれなかった和声の響きを追求したかったのかもしれない。
バッハ自身はリュートという楽器は演奏できなかったそうだが、リュートをいたく気に入っていたということが伺える文献も多くある。
多分この組曲を書き上げた瞬間、バッハは自分で
「でかした！」
と膝を打って小躍りしたに違いない。
そういう高揚感がこの曲には隅々に伺える。

(We Were All Just) Living In The Topedo Room

８７年に導入したデジタルサンプラーを珍しくデジタルサンプラーらしく使ってみた曲。
中盤の音はデンスケで拾い集めてきた音を組み合わせて（一部「海底科学作戦：シービュー号」からもらった音もあり）コラージュ。

この当時は３連のリズムに凝っていたので、これもその一連。

タイトルは長いが短い曲だ。

日暮通

久しぶりのボーカル曲です。
というかもう歌ものをアップするのはこれが最後です。
歌下手だから割引して聴くこと。

神戸に日暮通という小路があります。
ここの地名からお友達の林よし江さんが詩を作ってくれたものに曲をつけたものです。
神戸や大阪という街は夕暮れが本当にに合う街だと思っています。
日暮通（神戸）夕陽ケ丘（大阪）というような地名もあります。しかしこの少女マンガに出てきそうな両地名は実際には結構歴史が古い地名だったりします。
この地名と土地の雰囲気を感じていただければ幸いです。

（大阪や神戸の風景はちょっと視点を変えると非常に面白い風景になる・・・というのは押井守監修の「攻殻機動隊」のシリーズを見ていると、神戸や大阪の風景が突然出てきたりで地元の人間は「あっ、あそこだ」とピンとくるところが見えて驚かされますね。
例えば最初の映画の「Ghost In The Shell」でラストシーンの「少佐」と「機動戦車」が渡り合ったあのカマボコ型の建物は、大阪南港の「インテックスオーサカ」のエントランスですね。
２ndギグの「Stand-Alone Complex」で「少佐」が迷い込んで、男女の子供の全身義体を置いている骨董品店にたどりつく不思議な路地はまさしく大阪の「新世界」です。
こてこての「じゃりん子チエ」の地元ですね。
物語設定でもこの時代には大阪は「新浜県の旧市街」ということになっているようですし。
こういう風景論はそのうちどっかでまとめてやります）

真珠の涙

歌、下手だからもう歌ものはアップしないといいながら、またアップしてるよ、どっ、どうしよう。
作詞、作曲はお友達の橋本聡君です。
彼ともう一人の３人で高校時代に組んでいた「アンプラグド」なユニットのテーマ曲的な曲がこれでした。
私が思うに橋本君は叙情的なメロディを作らせたら光るものを持っていました。
今聴いても才能が有ると思います。
歌が下手なのはさておいて、ギターなどのアレンジは私が中心になってやったスタイルを９０年代に再度録音したものです。
アメリカが好きだったので、彼らのアコースティックスタイルには影響を受けました。
このユニットは私にとってはそういう好きなアメリカから学んだことを試す場所でした。

Avenger

９０年頃だったか、打ち込みに行き詰まり始めたころの曲だったと思う。
打ち込みでバンドのシミュレーションをすることが私のDTMの目的だった。
バンドのメンバーに自作曲のニュアンスを伝えるためにMTRを回してギターだけでなくドラムもベースもピアノも全部弾いて
「こんな感じ」
と聴かせていたのだが、それだったら全部自分でやってしまった方が手っ取り早いということで次第にDTMに入っていった。
ドラムを叩けるし、ドラムがうまい人のパラディドルテクニックがどんな感じかというのもつぶさに見て知っているから、そういうものを段々打ち込みで表現したくなってくる。
それはベースもキーボードも同じ。

ブラスやストリングスは心得は無いが、これだって実際に上手い人達のテクニックを間近に見ているのでそういうものを表現してみたくなってくる。

例えば刻みの細かいドラムとか、トップシンバルのライドとカップの使い分けでノリを出すとか・・・

ところが打ち込み音楽って、基本的にテクノの人達中心なんだな。
当時はまだテクノも生き残っていたが、ミニマルもヒップホップもとにかく機械的なリズムで押しまくる人達が中心で、そういう人達には
「目的がわからない」
と批判され、そういう生音楽が分かる人達には
「打ち込みでこれをやる意味がわかない」
といわれ、半魚人のように両方の種族から無理解な目で見られ、挙句音楽に嫌気が差して全くやらなくなってしまった。

この曲は「半魚人の復讐だぁ」なんて意気込みも込めているんだが、今の私から見ると「青い」なぁ・・・

そういう青春の甘酸っぱさ満載の曲なのでいっしょに涙を流して聴いてください。

Spartacus

After Hours

J.S.Bach　リュート組曲ト短調より「ジーグ」

上記リュート組曲ト短調のジーグの別バージョン。
こちらは上のテークと違ってデジタルサンプラを使わずに、デジタルシンセだけを使って多重録音した。
録音技術とか、シンセサイザーの音作りの技術とかは明らかにこちらの方が未熟なのだがこちらの方が捨てがたいビビッド感があるという気が自分でもする。
要するにこちらの方が盛り上がっているのだ。

人は何かを得るたびに何かを失う。
青春時代には私は今の私が持っていなかったようなものを持っていたということだ。
そのことは失ってから気がつく。